Steve Rogers (Chris Evans) quiere servir a su país en la que será la última guerra justa, la Segunda Guerra Mundial, pero no puede debido a su pobre condición física. Lo intenta mediante distintos nombres, una y otra vez, pero no consigue que le lleven al frente, y eso le duele. Su determinación llamará la atención de un científico, el Doctor Erksine (Stanley Tucci), que le ingresará en el proyecto de creación de un supersoldado. Huelga decir que el proyecto será un éxito, y que el destino del recién nacido Capitán América será enfrentarse al que experimentara en sus venas el suero de supersoldado por primera vez, el pérfido Cráneo Rojo (Hugo Weaving).

Destaca que esta vez el superhéroe busque la fuente de un poder, en lugar de recibir un don por accidente. Que no nos engañe la versión escuchimizada de Chris Evans pre-transformación: el Capitán América ya está en la película cuando, por ejemplo, Steve se arroja sobre una granada falsa puesta por el Coronel Chester Phillips (Tommy Lee Jones). Es sólo que no tiene un cuerpo idóneo que, maravillas de este relato pulp, es la manifestación física de su moralidad, de ahí que Cráneo Rojo sea un loco deformado. Me gusta pensar que con estos mimbres, cualquier aficionado a las películas de superhéroes clásicos y del blockbuster veraniego se lanzarán a verla, pero es que hay muchos más motivos por los que merece la pena.

Como se aprecia, el reparto aúna solvencia con calidad: Chris Evans se entrega a fondo por un personaje que, se nota, le gusta mucho, y que es diferente a su estimable encarnación de la Antorcha Humana en el díptico de los 4 Fantásticos; Haley Atwell aúna la belleza de una pin-up de la época con el misterio de una agente de la inteligencia británica; Dominic Cooper hace gala de un carisma que heredará su hijo, el multimillonario Tony Stark, alias Iron Man; Tommy Lee Jones, Hugo Weaving, Stanley Tucci o Toby Jones suelen ser valores seguros y aquí, en contra de lo que pudiera pensarse, no se han limitado a pasar por caja y poner el piloto automático. Personalmente, creo que pocas películas de superhéroes estrenadas pueden presumir de algo así, salvo Superman o Iron Man, que ya se sabe que Robert Downey Jr. vale por tres.

Pero quiero romper una lanza a favor del director, Joe Johnston, cuyo currículo tiene otras joyas pulp como ‘Cariño, he encogido a los niños‘, ‘Rocketeer’ o ‘Jumanji‘, y que a alternado con otras películas menos brillantes como ‘Océanos de fuego‘ o ‘Parque Jurásico 3‘. No se puede decir ni mucho menos que sea un realizador torpe, pero sí que a veces se deja llevar por la desidia o se intimida, como en el caso de ‘Parque Jurásico 3′, en la que jugaba a imitar a Spielberg, quizás lo icónica que es la saga dentro de la carrera del mítico director. En esta ocasión, Johnston plantea la película como una mirada corregida y aumentada sobre ‘Rocketeer’, y sabe que juega con un pasado y unas historias más ricas que aquel, de ahí que nos deleite con prodigiosos detalles como la utilización del Capitán América para vender bonos de guerra o el montaje de las misiones que el personaje tiene junto a los Comandos Aulladores. En ese sentido, Christopher Markus y Stephen McFeely elaboran un guión que juega no sólo con las historias del personaje, sino también sobre los mitos que rodean a la Segunda Guerra Mundial y la visión del mundo que se tenía en aquella época.

En definitiva, la segunda mejor película de superhéroes de 2011 (‘X-Men: Primera generación‘ corona el podio) merece una oportunidad bajo la prejuiciosa fachada de película estúpida y propagandística, ya sea en DVD, Blu-Ray combo o edición chachi en Blu-Ray 3D, 2D, DVD y copia digital.

1. El motivo de que no haya películas sobre superheroínas se debe a que, por desgracia, parece que el protagonismo femenino aún no garantiza de la misma manera la taquilla. También sostengo la creencia de que pocas actrices están dispuestas a llevar un atuendo ajustado y generalmente muy escotado, ya sea por complejo hacia los irreales modelos presentados en el cómic de bustos grandes y turgentes, o por la irrisoria cantidad de ropa y el penoso gusto del que hacen gala la mayoría de las superheroínas. Fijaos que la Viuda Negra es la que tiene uno de los atuendos más normalitos…

Un ejemplo de estupidez.

Con esto del cierre de Megaupload sabía yo que me iba a empezar a hervir la sangre: no es para menos, estaba cantado que Mister Kim acabaría convirtiéndose en el héroe del pueblo, o al menos, de un determinado grupo de personas. También que saldría el típico debate sobre los derechos de autor y las típicas comparaciones con, por supuesto, el oficio de fontanero (“si un tío me cobra una vez por arreglarme un grifo, ¿por qué un autor tiene que cobrar varias veces por una misma obra?”).

Primero, y respecto a este montaje y otros parecidos, estas comparaciones son, cuanto menos, torticeras. No son delitos equivalentes, no se rigen por las mismas leyes y ni siquiera son en el mismo país. Habrá quien se monte su mundo de ciencia ficción o saque su lado anti sistema y crea, de verdad, que España pertenece a Estados Unidos, pero hay tantas diferencias (¡la cultura!, ¡la soberanía!, ¡la legislación!) que ni me voy a molestar en comentarlas.

Segundo, que sí, que muy bonito lo de la cultura gratis, pero a ver cómo vive alguien de escribir, o de dibujar, o de hacer películas, si no obtiene retribución por ello. Antes de empezar con las comparaciones, estúpidas, con oficios como fontanero, hay que pensar que gestar una novela no es lo mismo que arreglar un grifo. Y quien piense eso es un inculto y un mierda. Un autor necesita dinero para vivir mientras gesta su obra, y los derechos de autor sirven para eso. Me da igual quién los defienda y cómo, y salvo que se te ocurra un sistema mejor para evitar que tu músico favorito viva de la basura del Hotel Palace, el tema está tan trillado que mejor ni empieces la discusión.

Tercero, hay que dejarse de debates estériles y estúpidos en los que se mezclan temas sin ton ni son. Los derechos de autor NO tienen que ver ni con farmacéuticas ni con fontaneros ni con leches. Tienen que ver con el artista, su obra y lo que le rodea. Recordad también que no es Bisbal quien cobra en nombre de la SGAE; que no es lo mismo PROPIETARIO de los derechos de propiedad intelectual que GESTOR de esos mismos derechos: no mezclemos churros con merinas.

Cuarto, da igual que este Kim Dotcom hubiera sido millonario antes. Ganó aún más dinero gracias a un negocio que, gracias a la publicidad y a las cuotas de los Premium, generaba ingresos gargantuescos a costa de los contenidos protegidos que se distribuían en Megaupload; contenidos que la empresa no quiso ni le interesó controlar, como sí están haciendo ahora Fileserve, por ejemplo. Y sinceramente, había otras opciones, algunas de ellas gratuitas, para almacenar cosas en Internet sin necesidad de suscribirse pagando, para todo aquel que diga que Megaupload no era, sobre todo, un gigantesco almacén de copias digitales de obras protegidas. Entiendo que hubiera personas perjudicadas por el cierre repentino de Megaupload debido a que lo utilizaban para, por ejemplo, almacenar trabajos, pero no nos hagamos los santos, que esas personas suponían el 1% de los clientes de Megaupload. Esto es, que la mayoría de los usuarios Premium de Megaupload lo utilizaban para subir y descargar contenidos protegidos por los derechos de autor, sin autorización del titular de esos derechos.

Quinto. Y no sé si es verdad, pero al parecer Megaupload también pagaba a los usuarios que subían contenidos populares y que generaban muchas descargas. Y si esto es verdad, SÍ es una incitación a la piratería: si te pagaran 1000 dólares porque tu cuenta de Megaupload generara 1.000.000 de descargas, ¿no subirías la última película de moda y publicitarías el enlace en páginas de descargas para generar ese tráfico de visitas? No me seas falso, hombre: es evidente que sí.

Basta ya de montajes estúpidos, debates estúpidos y comentarios estúpidos. Sensatez e información.

PD: La imagen la creó una persona y me da absolutamente igual que le moleste que la cuelgue aquí. ¡Cultura gratis, weeeh!

A veces, descubres que una buena historia puede darse perfectamente en la vida real siguiendo los esquemas que teóricos del guión como Robert McKee ofrecen en sus manuales. Tomemos como ejemplo este vídeo, grabado por unas personas que estaban de safari tan ricamente y se toparon con esto:

Esta historia tiene su principio, nudo y desenlace.

Principio: la familia de búfalos camina por la sabana.

Detonante: Más adelante, hay unos leones que parecen dormidos.

Primer punto de giro: los leones tienden una emboscada a los búfalos, que salen despavoridos, y una cría se queda rezagada.

Segundo acto: ¿conseguirá vivir la cría? Está asediada por los leones y no puede zafarse de ellos. Es un protagonista pasivo, visto lo visto. Sólo esperamos que tenga la suficiente fortaleza física para aguantar los máximo posible.

Mitad de la película y más complicaciones: ¡llegan los cocodrilos y atacan también a la cría! Y aquí tenemos subtrama, señores: ¿conseguirán los leones llevarse a la presa? Pues sí: después de forcejear, los leones alejan a la cría del agua.

Segundo punto de giro: la cría ya no puede hacer nada y está tirada en el suelo cuando de repente… ¡llegan los refuerzos! No es un deus ex machina porque vimos que los búfalos habían huido en el primer acto: ¡ahora descubrimos que estaban reagrupándose!

Clímax: después de amenazar e intimidar a los leones, el ejército de búfalos con mala hostia se sale con la suya.

Tercer acto y final: Al final, la cría es salvada, los agresores repelidos y el equilibrio se restaura: la manada vuelve a estar completa.

PD: Soy consciente de que esto ya se ha hecho antes, pero creo que merecía la pena comentarlo. Con mis palabras. Y porque sí.

El militar Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) despierta de repente en un tren de pasajeros. En frente, Christina Warren (Michelle Monaghan) parece conocerle, si bien su relación no está muy clara. Después de un par de vueltas por el vagón, y de descubrir en el cuarto de baño que en el espejo tiene la cara de un tal Sean Fentress, vuelve a encontrarse con Christina: ella le dice que todo va a ir bien… y el vagón estalla. Entonces Colter se descubre en un habitáculo comunicado con Colleen Goodwin (Vera Farmiga) y nos enteramos del proyecto que da título a la película, y que consiste en enviar la mente de alguien al pasado, durante un máximo de ocho minutos. Lo poco que le queda claro a Colter es que debe volver al vagón de tren y hallar al responsable del atentado si quiere impedir que una bomba sucia estalle en Los Ángeles…

Sin duda, el mejor cartel de esta película. El utilizado en España fue mucho más típico, una pena.

“Código fuente” se enmarca en un género de la ciencia ficción que ya no se estila, por desgracia, y que languidece en el audiovisual a medida que no encontramos un relevo satisfactorio para series como “Más allá del límite” o “En los límites de la realidad” : el de un buen concepto que agita la mente del público sin necesidad de abusar de tiroteos y destrozos grandilocuentes. Por fortuna, la irrupción de Duncan Jones, que se estrenó con “Moon” (2009), demuestra que aún quedan personas que quieran llevar este tipo de ciencia ficción al público. Estoy muy tentado de comentar el final, por los aciertos y flaquezas que tiene, pero creo que la mejor manera de aproximarse a esta película es sin saber prácticamente nada de ella.

En cuanto a la labor del director, Duncan Jones se esfuerza en que sintonicemos con Colter y su particular odisea sin que resulte aburrido: no obstante, el peligro que tienen este tipo de películas, donde el protagonista repite una y otra vez un determinado marco temporal, es que el espectador termine más hastiado que el protagonista. La solución fácil sería escudarse en la progresiva apatía que desarrollaría alguien en esa situación y transmitirla a la platea, pero Jones coge el toro por los cuernos e introduce variaciones, algunas contempladas en el guión y apoyadas por el montaje, para que cada viaje sea una aventura. Además, consigue que apreciemos a Christine al mismo tiempo que Colter, hasta el punto de que a veces sufrí más por ella que por el protagonista, a lo que ayuda que Michelle Monaghan aporte su particular encanto de “vecina de al lado”. Por último, mencionar que el tono de Jones se aleja por completo de “Origen” y similares: no necesita cargar las tintas ni en la desesperada situación de Colter ni en el inminente ataque terrorista, porque sabe que “Código fuente” no es una historia de salvación, no al menos de forma exclusiva, sino de descubrimiento. Descubrimos qué es el código fuente, cómo funciona, cómo Colter acabó en esta situación y cómo se comunica con Goodwin…

El casting ayuda a potenciar los aspectos positivos de la película, con un Jake Gyllenhaal tan competente como siempre. Lo que más me llamó la atención fue Vera Farmiga, que rodó su papel en sólo diez días y que es capaz de expresar tristeza, nervios, alegría o sorpresa con una leve variación de la cara, en el que es un papel complicado pero goloso para un buen actor. Puede que Colter sea el protagonista, que Christine descubra a un nuevo “Sean” al que amar, o que el Doctor Ruthledge (cuyo nombre recuerda a “ruthless”, que significa cruel o implacable; interpretado por un buen actor, de esos que se diluyen en repartos de renombre, Jeffrey Wright) averigüe al fin la utilidad de su máquina: es Goodwin quien tiene un arco anímico más amplio. Es el alma de la película.

Por último, hay que alabar la construcción de Ben Ripley, que es capaz de integrar el suspense de forma eficaz en una historia en la que, al menos en principio, el protagonista no se juega su vida. Si el límite de tiempo ya es una estupenda idea, que convierte cada iteración en una carrera contrarreloj, no lo son menos su acertadísimo clímax (muy de libro, pero también muy bien traído) y un final que, pese a tener el aspecto de final feliz, es bastante más siniestro y desesperado de lo que pueda parecer en un principio. Y como la buena ciencia ficción, sugiere y plantea conceptos que el espectador se llevará a casa y macerará a su gusto.

Por todo esto, “Código fuente” es una película disfrutable y recomendable para todo el mundo, pero que los asiduos de la ciencia ficción en especial encantará. Ojo, que aguanta perfectamente varios visionados.

En teoría, el capítulo piloto de una serie nos tiene que enganchar. En teoría, este capítulo nos coge de las solapas, nos sienta en una silla y nos dice que tenemos delante un viaje que merecerá la pena. Pero eso es la teoría, porque en realidad, no es algo tan común. Ni tan fácil: los episodios que consideramos magníficos suelen ampliar la propuesta de la serie a la que nos hemos acostumbrado, jugando con elementos narrativos y estilísticos plantados en anteriores episodios, pero un piloto es un salto al vacío que tiene que sugerir muchas cosas y contar su propia historia. Y “Perdidos” hace esto último con maestría y ritmo.

Los diez primeros minutos de "Perdidos" son un prodigio conjunto de guión, actuación y puesta en escena.

Recapitulemos y demos un breve repaso a algunas series que hoy en día lo petan pero cuyo piloto no nos hizo albergar muchas esperanzas: “Como conocí a vuestra madre” parecía la tópica historia de amor, montada por un mono oligofrénico; “Community” abusaba de diálogos explicativos y aún no había alcanzado a plena potencia la conciencia “meta” de ahora; “Parks and Recreation“, simplemente apesta hasta el episodio 5; “Fringe” aún estaba muy lejos de quitarse el estigma de “Expediente X del siglo XXI”.

El capítulo piloto de “Perdidos“ se vive como una película y engancha como una telenovela. El guión, firmado por J. J. Abrams, Jeffrey Lieber y Damon Lindelof, nos ofrece una historia de robinsones modernos cuajada de momentos emocionantes e incógnitas tanto científicas (las emisiones, el oso polar) como sobrenaturales (el humo negro); los actores lo dan todo (soberbio Matthew Fox) y demuestran conocer y querer a sus personajes, en un casting sin fisuras; la dirección de J. J. Abrams merecerá un artículo aparte por lo que supuso tanto para él como para los espectadores, pero adelanto que es donde Abrams aprieta los puños y demuestra su inmenso talento para las escenas de acción. Hay tanto y tan bueno que aún hoy, después de haberlo visto y analizado más de una docena de veces, sigo encontrándome detalles sobre los que no había reflexionado lo suficiente, como la procedencia de cierta zapatilla blanca colgada de una caña de bambú…

En definitiva, es un piloto que merece ser diseccionado y puesto como ejemplo de lo que hay que hacer para dejar cautiva a la audiencia. Que luego la serie siga derroteros que gusten más o menos, eso es otra cosa, pero no se puede negociar su inmenso poder de atracción. Tal es su poder, que aún hoy se ve como el enemigo a batir cuando una serie de aventuras, acción o misterio se estrena; tal es su poder, que algunos deseamos que surja ya un antídoto para esta droga con etiqueta Dharma.

Aunque la separación estricta entre bien y mal hace mucho que fue superada en la ficción televisiva, no es muy difícil apreciar que, pese a los vaivenes en las tendencias de la ficción, siempre vamos a encontrar una mayoría de historias de buenos contra malos. Una minoría de malos contra buenos. Y toda una gama entre medias donde los héroes de la función son demasiado expeditivos y los malvados muy gentiles. Sin embargo, lo que no es tan habitual es que aquel que pensábamos que era un paladín, resultara ser un villano; que el que resulta un monstruo a nuestros ojos es el que está intentando hacer un bien mayor. Esta posición moral, que es muy incómoda de ver por lo que nos lleva a pensar (que desde nosotros a nuestro gobierno, puede que nuestras decisiones estén tan deficitarias de perspectiva que no alcancemos a comprender lo mal que estamos haciendo las cosas, ni el daño que hacemos), no es tan común ni suele estar tan bien traída.

Un ejemplo perfecto de personaje que no es ni bueno, ni malo: Michael Dawson.

Lógicamente, “Lost” no inventó la rueda, pero al contrario que “Oz“, por poner un ejemplo menos conocido entre el público, llevó estos planteamientos al límite en una ficción evidentemente mainstream que aún hoy es reconocible y que estoy seguro de que seguirá dando que hablar dentro de veinte años. ¿En algún momento actuó Shepard como el villano de la serie? ¿Puede Benjamin Linus ser más razonable que los supervivientes del Oceanic 815? El fan se contestará estas preguntas y recordará que los personajes de “Lost” no se definen como absolutos, sino que oscilan. Como nosotros, que lo mismo hacemos un chiste sobre un mendigo estrafalario o ayudamos a un vecino a subir la compra.

Por eso, la serie de J. J. Abrams se queda bien grabada en nuestra cabeza. Una ficción puede ser tan buena como sea capaz de plantearnos preguntas que nos obligan a un ejercicio introspectivo. Y es que, seamos sinceros, aún hoy, ¿seríais capaces de hacer lo que Michael Dawson por vuestro hijo?

Es muy normal que en una serie, o una película, alguien encarne al espectador. Tú estás en tu butaca, o sofá, o cama, tumbado mientras piensas “No, no pases esa puerta idiota”, y ese personaje va y lo dice (lo suficientemente tarde como para que no sirva de nada, pero lo dice).

Pero pocos vínculos hay tan especiales como con Hugo “Hurley” Reyes, interpretado por Jorge García.

A lo largo de las seis temporadas, Hurley ha actuado más como medium entre la serie y el espectador que como simple codazo autoconsciente de la narración.

Fue el primero en criticar los secretismos entre los personajes durante la primera temporada y es el que se lanza a formular las teorías más disparatadas, cuya correspondencia puede leerse en Internet.

Puede resultar una victoria fácil de los guionistas: meterse en Internet, leer lo que se comenta sobre la serie y ponerlo en boca de uno de sus personajes. Sin embargo, Hurley va más allá: es el fan de Perdidos que pregunta directamente a los personajes el motivo de sus actos y de lo que le rodea: las respuestas que se le dan son mucho más satisfactorias porque se nos contesta directamente a nosotros. No sólo se dedica a preguntar (spoiler): como cuando decide escribir la secuela de La Guerra de las Galaxias para hacerle un favor a George Lucas y erradicar a los ewoks.

Sólo le falta mirar a la cámara y guiñarnos el ojo.

Si esto fuera poco, es un personaje entrañable y no sólo porque parezca un grandísimo osito de vainilla (parafraseando a la difunta Scrubs): su desdichado pasado como ganador de una lotería millonaria e imposible le trajo una serie de disparatadas desdichas cuyo punto álgido es la caída de un meteorito en un restaurante de comida rápida de su propiedad.

Ítem plus: como se menciona en el divertidísimo libro “Todo sobre Perdidos“, en concreto en  el ensayo “¡Aclamad a Hurley!” de Nick Mamatas, Hurley es el mejor líder posible de la isla: da a todos lo que quieren y lo que necesitan, por no hablar de que sus ideas, de ser seguidas, habrían ahorrado muchos problemas al resto de supervivientes del vuelo Oceanic 815. Más de una reconciliación se ha producido por intermediación de Hurley.

Así que ya sabéis: ¡Aclamad a Hurley!

Para prueba, un botón. Desde hace un tiempo, diversas series han intentado erigirse como “la nueva Lost”. Algunas han fracasado estrepitósamente (‘The Nine‘) y otras están muy cerca de dicho fracaso (‘Flashforward‘), pero ninguna ha conseguido el eco mediático de ‘Perdidos‘ salvo ‘Heroes‘, si bien hay todo un mundo en cuanto a calidad entre una y otra. Ahora abrid las orejas, y escuchad la música de los últimos cinco minutos de ‘Flashforward‘, por ejemplo.

Siendo benévolos, la música es de serie cutronga de los 90, más cerca de ‘First Wave‘. No es que las partituras de Ramin Djawadi brillen especialmente, no.

Uno de los logros de ‘Lost‘ es no caer en la tentación de usar música diferente a las partituras de Michael Giacchino. Una de las pocas veces, cuando Hurley está escuchando el discman en la playa, se soluciona de forma cómica y supone toda una declaración de intenciones por parte de sus responsables: Giacchino es el único.

La constante de su música convierte a ‘Lost‘ es un bloque de ficción homogéneo, con unas sintonías muy características que ayudan no sólo a definir las situaciones, sino también a los personajes, y el ejemplo más palpable es la progresiva perversión del tema dedicado a Jack. Añade a la serie un toque una bendita intemporalidad que le permitirá seguir siendo grande de aquí a veinte años, y no que no se quede anticuada como si lo harán otros productos audiovisuales que dependen demasiado de la canción o el estilo musical de turno.

Habrá, como lo hay en todo, gente que se queje de que la música subraye cada momento de la serie, pero forma parte de la magia y, para qué negarlo, el resultado no sería el mismo.

Por otro lado, hay que mencionar que Giacchino es un artista increíble y músico de confianza de J.J.Abrams, a quien ha seguido en sus dos incursiones como director (‘Misión: Imposible III‘ y ‘Star Trek‘), además de componer la banda sonora de esa otra gran serie llamada ‘Fringe‘ o de películas tan magníficas como ‘Speed Racer‘ o ‘Monstruoso‘, para la que compuso un tema de infarto. Cuenta con dos nominaciones a los Oscar, una por ‘Ratatouille‘ y otra en la actualidad por ‘Up‘.

Para terminar, y aunque no es ni mucho menos la tónica habitual, dejo un par de enlaces de Megaupload con la banda sonora de la 5º temporada… pero no es la oficial. Debe de estar ripeada de los archivos de vídeo o algo así. Lo que la hace muy especial es que aún mantiene los efectos de sonido, lo cual provoca un efecto impagable y locuelo. Vosotros mismos, pero yo no puedo parar de escucharla:

Parte 1

Parte 2

La serie completa:

• Las diez razones de Perdidos: (10) La geografía
• Las diez razones de Perdidos: (9) Perdidos como espejo de la cultura del Siglo XX
• Las diez razones de Perdidos: (8) Michael Giacchino

¿Ya? Bien, la novena razón es que Lost es un repaso al siglo XX. Una expresión postmoderna magnífica que actúa como un “Grandes Éxitos” de la cultura popular del siglo pasado.

Empecemos por el principio: la Primera Temporada, con los supervivientes del vuelo Oceanic 815, era una novela pulp de aventuras exóticas. Una jungla ominosa, un monstruo cuyas escasas apariciones conseguían generar aún más preguntas (mi cara cuando escuché que el Humo Negro hacía un ruido mecánico fue todo un poema), ruinas de una antigua civilización, unos cadáveres momificados (Adán y Eva los llamaron… y cuya identidad podría revelarse al fin en la 6º temporada), algún cadáver que desaparece y vuelve a la vida misteriosamente, ¡un barco de vela en mitad de la jungla!… Si repasamos que una de las mayores exposiciones del pulp de aventuras, o al menos una de las más conocidas, es Tarzán, creado por Edgar Rice Burroughs en 1914… bueno, coincidimos en la concordancia de la primera temporada con los inicios del siglo. La aparición de una escotilla, una sugerencia que el propio J.J.Abrams hizo a Damon Lindelof para impulsar la Biblia de Lost y las tramas, nos allana el camino a una segunda temporada muy tensa.

Una Segunda Temporada donde descubrimos un búnker (una expresión definitiva de la era atómica… y de los peligros que nos sugiere) y un botón para salvar el mundo cada cierto tiempo. Donde se descubren nuevos aliados, personificados en los “tailies” o supervivientes de la cola del avión.  Esta temporada mantiene una trama de suspense canónica en cuanto a que tenemos una cuenta atrás ominosa y la definitiva aparición de Los Otros, los enemigos que se había estado sugiriendo pero que nunca se vieron. En cuanto a la época, hemos avanzado a los años 40 y 50, a la Segunda Guerra Mundial, a Hiroshima y a la Guerra Fría. Dos apuntes al respecto de esto último: la Guerra Fría como conflicto ideológico extremo (en la serie: los supervivientes contra los Otros), y el retruécano perverso del ordenador y la cuenta atrás. Porque si durante la Guerra Fría predominó la idea de un botón para soltar las bombas y acabar con el mundo… en Lost se trata de un botón para mantenerlo a salvo.

Ahora es cuando me temo que los argumentos comienzan a cogerse ligeramente por los pelos, pero estoy dispuesto a correr ese riesgo. A partir de este momento podéis aplaudir o lanzar tomates y en ningún caso se os echará nada en cara.

La Tercera Temporada nos descubre “Otherville”, una representación dentro de la Isla de esa América ideal y suburbial tan de los 60. Pero también nos desarrolla una trama amorosa, un triángulo con Kate, Sawyer y Jack en su punto de máxima tensión, y descubrimos por cierto a Juliette. Liberación sexual (hasta este momento, ejem, no se hablaba de sexo de forma explícita; Jack no supo si echar monedas a la televisión o largarse enfadado), escalada de la Guerra Fría y potenciación del drama… sí, debemos de estar en los 60 y principios de los 70. Además, esta temporada nos demuestra lo difícil que es salir de la isla, algo que entronca con una gran serie de finales de los 60… El Prisionero.

En la Cuarta Temporada tenemos un thriller de tomo y lomo, gracias a que Ben engrandece como personaje, hasta el punto de eclipsar en no pocas ocasiones al resto de protagonistas con sus movimientos. Un thriller y también bastante acción, en una temporada movidita sobre todo en su parte final con la participación de esos aviesos mercenarios. Qué casualidad, en los 70 el thriller hace se populariza, al igual que el cine de acción moderno, gracias a películas como “French Connection” o “Harry El Sucio”. Es más, flota a lo largo de la temporada (y se mantendrá en la siguiente) un halo de espiritualidad en cuanto al destino, en la obligación de perseguirlo y cumplirlo a toda costa; una espiritualidad alejada de la simple fe de la primera temporada.

Por último, la Quinta Temporada recurre a la ciencia ficción y a un tratamiento de ésta muy de los 70 y mantenida hasta la llegada del ciberpunk en los 80: una ciencia ficción madura, que trata de algo más que de los robots y científicos locos de antaño y se permite experimentaciones formales. Para los que no leáis ciencia ficción, es una gran época donde disfrutar del talento de Philip K. Dick, J.G. Ballard o Robert Silveberg, autores que juegan con los conceptos de moralidad, espiritualidad… y con las propias reglas de escritura. Volvamos a Lost: es la temporada más locuela, con viajes en el tiempo, paradojas y retruécanos capaces de dejarte con la boca abierta varios minutos después de haber visto el episodio. Narrativamente, es una temporada que rompe con la tradición de la serie pero mantiene ciertas constantes y que recurre en no pocas ocasiones a los conceptos de moralidad y viejas costumbres (¿matar o no a un niño? ¿adaptarse y “jugar a las casitas” como dice Sawyer o luchar contra ello? ) y a la espiritualidad con la aparición, al fin, de Jacob… y del AntiJacob. El final de la temporada, con Juliet golpeando OCHO veces la bomba nuclear, amenaza con destruir el tiempo o recomponerlo, mientras el AntiJacob triunfa y se nos advierte de la llegada de “alguien”.
Un breve inciso. No entiendo a la gente que no le gustó la quinta temporada y eso de que se desvelara que, en el fondo, la serie ha sido de ciencia ficción todo el rato. No entiendo la aversión sistemática a la ciencia ficción. Y sobre todo, no entiendo cómo en una serie donde EL TIEMPO ha sido y ES el eje de todo, desde la estructura de la historia hasta la historia en sí (flashbacks desde el principio, ¿se puede ser más claro?), la gente se ofenda porque sea una serie de ciencia ficción sobre el tiempo.

Queda especular con la sexta temporada. No he visto nada, no he leído nada del tema, por lo que esto son meras conjeturas. Si alguna de ellas resulta ser cierta, por favor, no lo toméis como espoiler. Llegados a este punto, o estáis hartos de mí o queréis ver cómo acaba esto. ¿Cómo será la Sexta Temporada? Abogo por la confusión y desorden de los 90 y el concepto de “Fin de la Historia” que acuñó Fukuyama en su doble vertiente: la vertiente real, la del Fin de la Historia en el que la Historia se entiende como una lucha de clases paralizada por la derrota de los comunistas (trasladado a Lost: ¿fin de las hostilidades entre Unos y Otros y victoria definitiva de uno de los bandos?); y la apócrifa, en el que la Historia, como la entiende todo el mundo, llega a su fin sustituida por un presente infinito, gracias a que la Historia no hace falta escribirla… basta con darle al replay. Como dudo que vayan a atrapar a todos en un bucle indefinido de tiempo, apostaría por un presente perpetuo representado por universos alternativos, donde los personajes vivirían los mismos acontecimientos pero en épocas distintas. ¿Os da vueltas a la cabeza? Os lo dejo más fácil: explosión, explosión, explosión. El acontecimiento se repite, pero la época varía. Explosión de la escotilla; explosión del búnker; explosión en la estación del Espejo (borrándose, por cierto, la idea de que se puede cambiar el destino mediante la anunciada muerte de Charlie); explosión y desaparición de la Isla (y del barco); explosión de la bomba atómica. ¿Lo entendéis ahora?
Un último apunte: queda por explorar la realidad virtual y el mundo de la informática, cuya presencia no ha sido ni testimonial. ¿Estarán en una especie de Matrix?

Agradecimientos: Espoiler.

La serie completa:

• Las diez razones de Perdidos: (10) La geografía
• Las diez razones de Perdidos: (9) Perdidos como espejo de la cultura del Siglo XX
• Las diez razones de Perdidos: (8) Michael Giacchino

Hace poco terminé de ver Perdidos (Lost para los muy fans) y me quedé literalmente prendado. Claro que su principal inconveniente (la distancia temporal entre temporadas, que dejan sin uñas al más pintado) me la he saltado con elegancia torera, el karma ha decidido recompensarme con algunos spoilers que me comí previamente, como cierta condición física de Locke antes de la Isla y cosas así.

Ahora, medio en caliente, me he propuesto sacar diez razones de por qué mola tanto Lost. ¿Por qué diez? ¿Por qué una lista? Porque las listas están de moda y, por alguna razón, 7 razones no suenan tan bien. El hecho de escoger el diez, de hecho, es muy de guionista de Lost, porque aunque sé cuál es la principal razón, apenas tengo esbozados los puestos de enmedio. Comentad cuanto queráis y estaré dispuesto a debatir con gusto, pero pasaré olímpicamente de comentarios en plan “Yo no escogería esto” o “¿Por qué destacar eso, tío?”

La razón número diez por la que te debe gustar Lost es por motivos de geografía.

Párate a pensar un rato. Tenemos GPS hasta en los relojes, satélites peinando cada zona del planeta (a saber cuántos hay y cuántas fotos hacen) y, en general, ser poseedor de un teléfono móvil te hace fácilmente localizable. Esta sensación va a más, como si el mundo se redujera igual que la futura cabeza-llavero de un jíbaro. La famosa aldea global hasta sus últimas consecuencias.
A finales del siglo XIX, esto no era así. Había una sensación de maravilla respecto al mundo, como si aún quedara por descubrir otra América más allá de la línea del horizonte. No puedo más que especular sobre la increíble, y desconcertante, sensación de que era imposible abarcar el mundo. Con razón mirábamos al espacio con interés, pero sin tanta pasión como la que le dedicábamos a los continentes perdidos, a África, la Antártida… Con el ferrocarril primero y la aviación después, esta sensación se fue perdiendo. De tener un horizonte a cuarenta kilómetros pasamos a tener un horizonte visto a kilómetros de altura. Y creo que la puntilla fue cuando el hombre fue al espacio, a la Luna, e intentó abarcar la Tierra con sus brazos.

Lost nos ha regalado un pedazo de Tierra inexplorado e imposible. Sea ciencia o magia, o ambas cosas, la Isla no sólo es un territorio ignoto del Pacífico, sino algo imposible de encontrar… salvo que se te dé permiso.

La serie completa:

• Las diez razones de Perdidos: (10) La geografía
• Las diez razones de Perdidos: (9) Perdidos como espejo de la cultura del Siglo XX
• Las diez razones de Perdidos: (8) Michael Giacchino